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música ranchera

Canción ranchera

Sus orígenes datan del siglo XIX, pero fue desarrollado en el teatro nacionalista del período post-revolucionario de 1910 y se convirtió en el ícono de la expresión popular de México, un símbolo del país, que fue difundo con gran éxito por varios países latinoamericanos especialmente gracias al cine mexicano de las décadas de1940, 1950 y 1960, causando profundo arraigo entre los sectores populares y medios.

Los cantantes profesionales de este género desarrollaron un estilo extremadamente emocional, una de cuyas características consiste en sostener largamente una nota al final de una estrofa o línea, culminando en una "terminación fundida".

En cuanto a las letras, predominaron en un comienzo las historias populares relacionadas con la Revolución mexicana, la vida campesina, los caballos, la familia, los bares y cantinas y las tragedias amorosas. Posteriormente las temáticas se han centrado especialmente en el amor de pareja y como sucede con todo ritmo que se "internacionaliza", su capacidad para contar historias populares se ha debilitado por cuenta de la presión de los productores musicales.

Las rancheras han llegado a ser uno de los géneros más representativos de la música latinoamericana, evolucionando desde el escenario local y campesino hasta la conquista internacional.

Representantes famosos del género han sido por ejemplo Jorge Negrete, Pedro Infante, Tito Guízar, Miguel Aceves Mejía, José Alfredo Jiménez, Javier Solís, Antonio Aguilar (años 30-60) y en las décadas de 1970-90 Vicente Fernández, su hijo Alejandro Fernández, Juan Gabriel, Pedro Fernández y Pepe Aguilar. Entre las damas, se destacan Lucha Reyes, Lola Beltrán, Flor Silvestre, Lucha Villa, Amalia Mendoza "La Tariácuri", María de Lourdes y la cantante española mas mexicana Rocío Dúrcal.

Bibliografía [editar]

• Helmut Brenner: Música ranchera. Das mexikanische Äquivalent zur Country and Western Music aus historischer, musikalischer und kommerzieller Sicht (=Musikethnologische Sammelbände 14). Prologo por Thomas Stanford. Tutzing: Verlag Hans Schneider, 1996 [ISBN 3-7952-0867-X].

 

música romantica

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musica romantica

l romanticismo musical o música romántica La era de la música Romántica (no confundir con la zarzuela romántica), es definida como el periodo de la música clásica europea que se extiende, aproximadamente desde comienzos del 1800 hasta la primera década del siglo XX, además de la música escrita según las normas y estilos dicho periodo. Al periodo Romántico le precedió el Clásico, y fue seguido por el Moderno. La música romántica se relaciona a los movimientos románticos de la literatura y la filosofía, si bien los periodos convencionales utilizados en musicología son ahora muy diferentes de sus homólogos en otras artes, lo que define lo "romántico" es una aumento de la sensibilidad emocional y sensible de las obras. El movimiento romántico sostiene que no toda la verdad puede deducirse de axiomas, que había realidades ineludibles en el mundo que podían ser sólo alcanzadas a través de la emoción, el sentimiento y la intuición. La música romántica luchó para aumentar la expresión emocional y el poder de describir esas verdades profundas, aunque preservando o incluso extendiendo las estructuras formales del periodo clásico. El uso vernáculo del término "música romántica" se aplica a la música que evoca una atmósfera suave o de ensueño. Este uso está arraigado en las connotaciones de la palabra “romántico” que fueron establecidas durante este periodo, pero no todas las piezas “Románticas” se ajustan a esta descripción. En cambio, la música que es “romántica” en el moderno uso cotidiano de la palabra (que es, el relacionado con el sentimiento del amor) no se encuentra necesariamente relacionada con el periodo Romántico.

Los músicos teóricos de la Era Romántica establecieron el concepto de tonalidad para describir el vocabulario armónico heredado de los periodos Clásico y Barroco. Los compositores románticos buscaron fusionar la gran planificación armónica estructural demostrada por maestros anteriores (Bach, Haydn, Mozart y Beethoven) con grandes innovaciones cromáticas, con el fin de mejorar la fluidez y el contraste, y para conocer las necesidades de los trabajos extensos. Los compositores modularon cada vez más hacia tonos antiguos, su música, por lo general, preparaba a los oyentes demasiado poco para dichas modulaciones, a diferencia de la música de la era clásica. A veces, en lugar de un acorde pivot, se empleaba una nota pivot. Las propiedades de la séptima disminuida y los acordes relacionados, que facilitaban la modulación a muchos tonos, fueron también explotadas extensivamente. Compositores como Beethoven y, posteriormente, Richard Wagner, expandieron el lenguaje armónico con acordes antiguos en desuso, o con innovadoras progresiones de acordes. Grandes obras han sido compuestas, por ejemplo, sobre laarmonía de Tristán e Isolda de Wagner, que se encuentra cerca de la apertura de laópera Tristán e Isolda, y su exacta función armónica.

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